ARTE MEDIEVAL

     El Arte medieval es toda manifestación artística que se dio durante la edad media. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos, el románico y el gótico. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente. Sin embargo, hablar de estas dos corrientes sin mencionar al arte paleocristiano y bizantino no tiene sentido, ya que estos fueron pilares fundamentales para el auge del gótico y romano.

Arte Paleocristiano

Arquitectura

El cristianismo en sus inicios se dio en Roma como una organización subversiva, por lo que se mantuvo escondido por mucho tiempo sufriendo diversas persecuciones oficiales. Esta clandestinidad tuvo lugar aproximadamente hasta el año 313 mediante el Edicto de Milán que fue promulgado por el emperador Constantino el cual reconoce la libertad de los cristianos. Dentro de ese marco histórico nace el arte paleocristiano y se puede definir de cierta manera como una evolución del arte romano. A pesar de esto, la religión cristiana influyó de gran manera en él aportando mucho simbolismo, ayudando a que este arte sea simple, dejando a un lado la perspectiva, profundidad del espacio y rasgos del cuerpo humano acentuando por otro lado todos los aspectos religiosos.

 De las construcciones más características de este período se encuentran las Catacumbas, las cuales son cementerios que se encuentran excavados, y están formados por un grupo de galerías que llevan a grandes salas, las cuales se denominan cubiculas. En las paredes de dichas catacumbas se hallaban nichos que se usaban para los enterramientos, que eran protegidos con arcos de medio punto. 

Debido a que los cristianos eran perseguidos buscaban refugiarse en cuevas para celebrar allí sus cultos, dichas catacumbas se eran las primeras manifestaciones del arte cristiano primitivo.

En sus paredes se han encontrado diversos grabados y símbolos cristianos que representaban 

sus ideas religiosas.Otro tipo de construcción que se realizó en este período fue la basílica, la cual aparece en el siglo IV después de que la iglesia tiene total libertad y puede reunirse en lugares públicos. Después de esto los cristianos aprovechan las construcciones romanas que podrían usarse para el culto.

Por esto la basílica romana pasó a ser la construcción más usada para los cristianos. Este tipo de construcción era sencilla y muy amplia, además de no estar ligada con el culto de dioses paganos. La planta de dichas basílicas se caracterizan por poseer: un vestíbulo llamado nartex; un patio que le seguía al vestíbulo y era de forma rectangular viéndose rodeado de pórticos, dicho vestíbulo recibía el nombre de atrio; tres naves siendo la central más elevada y al fondo de esta un ábside, que era un espacio semicircular en el que se encontraba la silla del obispo y de los diversos sacerdotes.

Escultura Las obras escultóricas son más importantes por su significado y por el simbolismo que representan que por sus formas propiamente dichas. En los sarcófagos es donde más obras escultóricas se han encontrado. Algunas de las primeras obras son figuras paganas, pero que poseen un gran simbolismo cristiano. Con el pasar de los años se van incorporando otros temas, como el Crismón, el cordero, el ancora o el pez, los cuales simbolizan de una u otra manera a cristo.	"Cordero "
"Cristo sedente, Siglo IV "	Otras obras encontradas son los estrígiles, que se encuentran en los sarcófagos y eran originalmente elementos usados por los gladiadores y atletas para quitarse el polvo y la grasa que se incrustaba en su piel. Estas piezas se encuentran formadas por dos contra curvas ofreciendo una gran decoración geométrica. Las estatuas de bulto redondo son muy escasas, pero de las pocas que se han encontrado son las que representan a Jesús. Las primeras figuras que representan a cristo lo muestran como un joven sin barba, pero a partir del siglo IV se comienza a representar en su fase adulta con más barba y un gran porte. También cabe destacar que para esta época no se han encontrado imágenes que representen a la virgen.
Pintura En la era paleocristiana la pintura es muy escasa, pero a pesar de esto se han encontrado restos de frescos que siguen las técnicas dictadas por Pompeya. Los temas eran generalmente alusivos al cristianismo, como todo lo de aquella época, representando diversas oraciones con iconos muy simbólicos. El fin principal de las pinturas era doctrinador, y muy poco decorativo. La técnica más resaltante es la del impresionismo, que consistía en manchas rápidas representando figuras con gran realismo. Con los años esa técnica va a carecer de importancia usándose un estilo mucho más rígido y estilizado con un significado más simbólico. Los principales temas usados son: los misterios de la fe, la representación de cristo rodeado por los apóstoles, Ángeles y algunos santos, entre otros. La cruz se comienza a usar después de que Constantino la adoptara como tal.	"Beato de Saint-Sever"
Arte Bizantino El imperio romano sobrevivió durante mil años hasta que los turcos destruyeron Constantinopla en el año de 1435, pero después del siglo V poco a poco fue volviendo a sus raíces griegas, retomando le griego como la lengua del Estado. Constantinopla se le llamó entonces por su nombre original, Bizancio, por lo que le imperio romano que antes dominaba dicha ciudad ahora se llamaba imperio bizantino. La ciudad de Constantinopla es la que actualmente se conoce como Estambul.Las bases de la cultura bizantina fueron el cristianismo y el helenismo, lo que demuestra que el cristianismo ocupaba casi toda la ciudad de Bizancio. Dicha cultura fue muy rica y tuvo gran influencia del Islam, de la Europa feudal, de Rusia y de los diversos pueblos de esclavos los cuales se vieron evangelizados por Bizancio. El arte Bizantino es místico principalmente, así como también fue un arte de abstracciones en cuanto a las formas, tratando siempre de buscar diversos arquetipos universales.
"Santa Sofia de Constantinopla(Estambul, Turquía) "	Arquitectura  El aporte principal que da el imperio bizantino es la arquitectura, y dentro de ella lo más resaltante es el uso de la cúpula, el capitel, el arco y la decoración con mosaico. Los romanos tuvieron gran dificultad al construir las cúpulas, pero esto lo resolvieron los bizantinos mediante el uso depechinas, o triángulos esféricos; medias cúpulas y algún otro elemento de soporte como contrafuertes y muros un poco más gruesos.Las cúpula ofrecen una concepción del espacio distinta, siendo este un poco más dilatado y dinámico, ya que no se encuentra delimitado por muros, lo cual se ve de mejor forma en las iglesias de planta central, aunque también se puede percibir en las de planta basílicas. El significado del espacio que ofrece la bóveda es el de una conexión directa entre el cielo y la tierra, este espacio se convierte en el trono y en el dominio del creador, por lo que desde allí se realizan las bendiciones. Se llegaron a construir cúpulas de enormes dimensiones como la de la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla.
Las basílicas son las construcciones más resaltantes de la época, las cuales poseen los elementos constructivos de la iglesia paleocristiana modificada y a su vez creando otros como lo son: el atrio, alberga a los fieles, y con el tiempo se reduce hasta ser solo un pórtico adosado a la fachada principal de la iglesia;
el nartex, el cual es un lugar de reunión de los estudiantes del catecismo los cuales solo podían asistir hasta el … de la iglesia; la iconostasis, que es una especie de canal perforada con vanos y cargada de iconos que separa el espacio de los fieles con el presbiterio; y la tribuna, era usada para las mujeres y se encontraba en el piso superior.  El arco también es importante dentro de las construcciones de esta época, este descarga directamente sobre las columnas lo cual es algo innovador para la arquitectura, ya que esto le da ligereza a la construcción y le da un efecto de perspectiva en los interiores.
	El capitel es otro elemento importante dentro de la arquitectura bizantina, este tiene su origen en el capitel corintio, pero en vez de tener formas vegetales hacia el exterior los bizantinos las ponen hacia el interior formando un conjunto uniforme y cúbico, por lo que recibe dicho nombre. Las hojas en el capitel van a aparecer a partir del siglo IV, las cuales hacen la simulación de moverse con el viento. Otro aspecto importante es la desaparición casi en su totalidad del ábaco del capitel, por lo que se amplia en forma de pirámide truncada e invertida y se le denomina cimacio. Usaron materiales livianos, como tubos de barro, así como diversas técnicas con el fin de aligerar el peso de las cúpulas.
Otros materiales son el ladrillo y la piedra los cuales se cubren con mosaicos dependiendo si son muros exteriores o paredes interiores, ya que se emplean en su mayoría en paredes internas dejando de un lado la decoración externa.  Escultura La escultura en el imperio bizantino es mucho menos importante que en Grecia y Roma, esto se debe al abandono que se tiene de las creencias paganas y la penetración de una nueva religión. La escultura en este periodo muestra formas solemnes, severas y rígidas, así como también busca la espiritualidad y el simbolismo. Las primeras obras escultóricas que se han encontrado durante este imperio son relieves de sarcófagos y otros más pequeños, hechos sobre ricos materiales. La obras eran de carácter religioso y aristócrata pero teniéndole siempre el respeto a lo que era el emperador. Entre los materiales más usados se encuentra el marfil, así como también el esmalte, el bronce y el oro.
Los relieves de temas conmemorativos son lo que más se hicieron en la época. Los artistas, inclusive después de la derrota iconoclasta, la siguen empleando debido al recelo de que en alguna otra revolución los pudieran acusar de idolatría. Por todas esas razones las figuras humanas tienden a deshumanizarse. La iconografía hace repetir diversos tipos de imágenes como lo son, La Virgen Theotokos, que se encuentra sentada con un niño en brazos; La Virgen Orante; El Salvador. Todas estas obras tienen una composición muy sencilla, pero entre las composiciones más complejas se encuentra las que representan el tema de la Deesis, el cual representa a la Virgen y a San Juan Bautista intercediendo por la humanidad, ésta obra se encuentra en San Marcos.	Deesis
En cuanto a las artes menores se encuentra la orfebrería y la talla. También trabajan el marfil con una gran habilidad realizando crucifijos, diversos adornos y algunos utensilios domésticos. Para estas obras usan como materiales el oro y la plata combinados con algunas piedras preciosas.Pintura y Mosaico La pintura se realizó principalmente mediante la técnica del mural, los cuales se usaban para la decoración del interior de los templos, creando íconos o imágenes pintadas sobre madera.
"Pantocrator"	Dichos murales eran pinturas al óleo o al temple, y generalmente los temas eran religiosos de carácter simbólico y se hacían en su mayoría en bóvedas y cúpulas. Los temas religiosos que se desarrollan en dichos murales eran de la Biblia, de la vida de algún santo, de Cristo o de la Virgen. Los colores usados eran muy vivos pero planos y los fondos eran dorados. La línea era muy usada en sus obras. Las composiciones eran simétricas con respecto a una figura principal que siempre se ubica en el centro de la obra. Las figuras se representan de forma alargada y con muy poco movimiento, siempre mirando al frente y con los ojos muy abiertos. La función principal era netamente pedagógica y se encuentra subordinada a la arquitectura.
Los mosaicos eran la base del mural bizantino y representaban escenas religiosas al igual que en la pintura, pero la diferencia era que aquí se utilizaban pequeñas piezas de cerámica o mármol y recibían el nombre de teselas, dichas piezas se iban pegando una junto a otra formando la figura deseada. Las teselas poseían una gran variedad de colores y matices ofreciéndole a los objetos efectos de luz, forma y sombra, y en general los mosaicos poseen las mismas características de la pintura.
Para fabricar los mosaicos se requerían de un mecenas muy rico, ya que dichas obras de arte eran muy costosas. Para realizar los mosaicos se calentaba una mezcla de arena, oxido de sodio o potasio y oxido de calcio en un horno de leña. La mezcla de los olores se le colocaba a la frita parcialmente quemada, por lo que los cristales que se obtenían se fundían en sartenes de barro. Arte Románico El arte románico se originó en Europa en el año 1.000 después de Cristo y duró aproximadamente hasta la segunda mitad del siglo XII. Este estilo se arraigo principalmente en la arquitectura y sus construcciones principales son las iglesias, así como monasterios y conventos, a pesar de esto también se aplicó en la escultura, pintura y artes decorativas. El nombre de dicho arte proviene del arte de Roma, del cual toma algunas técnicas de construcción y algunos tipos de edificaciones. El contenido del arte Románico es espiritual y proviene del cristiano. Dicho período también se le ha denominado periodo de la iglesia militante, la cual lucha contra el pecado, ya que se pretende alcanzar el reino de Dios en la tierra y así huir del caos que se ha producido en el exterior por la caída del imperio Romano.
"Monasterio de Nogal de las Huertas "	Arquitectura Debido a la división de la cultura y de la economía romana se dio la desaparición de las estructuras sociales, donde se originaron arquitectos y artesanos calificados. Pero a partir del año 1.000 los cristianos cobraron fuerza y la vida monástica tuvo un gran auge, por lo que los monasterios se convirtieron en centros de estudios para las personas que se dedicaban a la cultura. Los monasterios se construían fuera de las ciudades, generalmente al borde de los caminos de peregrinación y contaban con un conjunto de edificios civiles ubicados alrededor de la iglesia. Los edificios civiles eran dedicados a las viviendas y a los trabajos de los monjes. Todas las edificaciones se distribuían en torno a un patio central, alrededor del cual funcionaba el claustro.
Los artistas románicos poseen gran libertad y tratan de no seguir los cánones antiguos, por lo que se levantan las iglesias hasta una altura permitida por la construcción propiamente dicha. La arquitectura se desarrollo con más fuerza en Francia que en Italia, al igual que otros tipos de arte. La bóveda es uno de los elementos más importantes de la arquitectura debido a que ella define las características de la construcción. La bóveda de cañón se forma por un arco de 180º, es muy pesada por lo que se trata de reforzar en su interior con elementos llamados torales o fajoneslos cuales van a dividir el espacio interno en varios tramos.
	Después de la bóveda de cañón se dio la llamada bóveda de arista, la cual se forma debido al cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón que poseen un radio semejante. Para poder cubrir un espacio rectangular es necesario colocar varias bóvedas seguidas, debido a que el cruce de las bóvedas de cañón forma una bóveda de arista de planta cuadrada. Debido a la forma de la bóveda de arista, ésta dirige el peso hacia las esquinas del cuadrado por lo que se refuerzan para tratar de liberar al muro de la función sustentante. Las bóvedas de arista se reforzaron con el pasar de los años con unos arcos, lo que vino a dar origen a la bóveda de crucería.
La arquitectura románica se puede dividir en tres períodos según los tipos de bóvedas que se utilizaron: el período de la bóveda de cañón, el período de la bóveda de arista y el período de la bóveda de crucería. A su vez se dieron dos elementos fundamentales en la arquitectura como lo fueron el arco y el contrafuerte.
El arco que se uso durante este período es el de medio punto, el cual se toma de la arquitectura romana. El arco se usa para rematar los vanos de puertas y ventanas, así como también para separar espacios como los de la nave central y las naves laterales de las iglesias. Los arcos a pesar de ser muy útiles también tienen un carácter decorativo en las fachadas de las edificaciones.
Otro elemento es el contrafuerte, el cual es formado por pilares con forma de prisma, van adosados a los muros para así ayudarlos a resistir el peso de la bóveda. Dichas bóvedas poseían un gran peso, por lo que los muros se hacían muy gruesos y bajos para darle mas fortaleza, por esta razón las iglesias no poseen mucha altura, así como tampoco se abrían muchos vanos en ellas, esto hace que los recintos sean bastante oscuros.
	En el período románico también se dio el uso de la cúpula y de la columna. La cúpula se usaba para cubrir el espacio resultante del cruce entre la nave central y la transversal y se sostenía sobre pechinas o trompas. La columna, por otro lado, era usada para sostener los arcos y las bóvedas, y su característica principal es la de poseer un fuste cilíndrico o poligonal con una basa decorada al estilo toscazo. Las construcciones más resaltantes del período románico son: las iglesias y los monasterios. Las iglesias se originan de las basílicas y su planta es dividida por tres naves y un ábside al fondo de cada una de ellas. También se le introdujo una nave transversal lo que origino la planta de cruz latina. La fachada principal es muy adornada.
Algunas de las iglesias más resaltantes de dicho período son:en Francia: la catedral de Avignon, la de San Trófimo, la de Bayeux, la de María Magdalena y la de San Front de Perigueux; en Alemania: la catedral de Spira y Worms;
"Catedral de Avignon" "Catedral de Worms"
en Italia: la catedral de Pisa, la de Génova, la de Palermo, Salermo y San Ambrosio; en España: la iglesia de San Martín de Frómista, San Isidoro, las catedrales de Santiago, Salamanca y Zamora y los conventos de Santo Domingo de Silos y San Juan de la Peña;
" Catedral de Pisa" "Iglesia de San Martín de Frómista"
en Inglaterra: la iglesia de Winchester, Roschester y Ely; entre otras. Escultura  En la época prerrománica las esculturas eran muy pequeñas y se hacían de marfil, bronce y oro. Su influencia era directamente del paleocristiano y bizantino, así como también adoptaron algunos estilos orientales, los cuales se vieron sobretodo en algunos manuscritos, orfebrería, cerámica y tejidos. En este período no se encuentran esculturas de tamaños monumentales. Las esculturas de gran tamaño se dieron a partir del siglo XII a lo largo de toda Europa.
"Catedral de Ely"
En el período románico la escultura se encuentra muy vinculada con la arquitectura, debido a que su fin es tratar de llenar espacios vacíos con objetivos didácticos, cubriendo fachadas, capiteles y arquivoltas. Las figuras de las esculturas son muy simples y desproporcionadas, al igual que no poseen perspectivas ni relación de tamaños. Las composiciones son generalmente simétricas y poseen una posición frontal, ojos grandes y abiertos, la mirada al frente, y los vestidos caen en forma vertical.
Los temas representados en la escultura son principalmente figuras del antiguo testamento así como de los evangelios, por lo que poseen un gran sentido místico y de espiritualidad. Así mismo trataban temas relacionados con los pecados capitales o algunos cuentos de la época medieval, por lo que las representaciones muestran gran realismo tratando de avivar el horror hacia los vicios. Muchas de las esculturas se hacían directamente sobre las piedras que conformaban las edificaciones. En cuanto a la llamada escultura de bulto redondo se encuentran las representaciones de la Virgen sentada en un trono con el niño Jesús en sus brazos, así como el Cristo crucificado;
dichas obras son hechas en madera y la mayoría de estás obras son policromadas, las más conocidas son: los Cristos de Caldes y las Vírgenes de la Catedral de Gerona o la de Covet; dichas obras se encuentran en la actualidad en el Museo nacional de Arte de Cataluña. Pintura La pintura del período románico posee una gran unidad, así como también la pintura que se dio entre los siglos XII y XIII es muy esquematizada llegando incluso a parecer una abstracción del deseo y de la espiritualización. La pintura de la época trata de reflejar en su contenido lo inmutable, lo externo e intemporal tratando siempre de no prescindir de la fuerza expresiva y de la monumentalidad. La pintura en cuanto al resto de las artes no tuvo mucho valor, pero a pesar de ello tuvo gran merito. Las figuras se representaban en dos dimensiones y muy planas sin ningún tipo de perspectivas.
	El mural fue otro tipo de pintura muy resaltante y siempre, al igual que la escultura estuvo muy ligada a la arquitectura románica. Los frescos se realizaron generalmente en los interiores de las iglesias cubriendo diversos muros y algunas ábsides. Los murales solían pintarse al fresco con trazados esenciales en las figuras principales y el resto de la pintura se hacia al temple. La pintura y la escultura tuvieron mucha influencia bizantina y del oriente; así como ambas tenían un fin principalmente pedagógico. Las figuras en la pintura son muy poco expresivas, van con la mirada al frente y los ojos bien abiertos.
Arte gótico Es estilo gótico surge por diversas razones, estos fueron el gran desarrollo y el embellecimiento de las ciudades, así como la formación de la burguesía y el desarrollo del comercio. Este último origina el crecimiento de la riqueza, la cual va a ocasionar una gran afición por el arte. En este período los individuos tienen gran sentido comunitario, lo cual permite que se lleven a cabo obras de gran tamaño, así como el sentido de competencia por quien posee la iglesia de mayor tamaño, el arte de construir es lo más resaltante dentro de la sociedad. Se desarrolla entre los siglos XII y XVI, debido a que este es un período muy largo se dan diversos cambios y un gran fortalecimiento en cuanto al comercio, ciudades, e industria, lo que lleva a la transición de la modernidad. En este período es más importante el dinero que la posesión de tierras, y quienes podían obtener más dinero eran los comerciantes los cuales fueron adquiriendo con el pasar del tiempo mucho poder político.
El gótico se puede dividir claramente entres períodos: el primero, el período Gótico Temprano que se desarrolla entre los siglos XII y XIII, el cual se va a caracterizar por ser muy robusto y sencillo, así como también se origina la bóveda de cuatro paños de perfil; el segundo período es el denominado Gótico clásico, que va entre los siglos XIII y XIV, y se desarrollan estilos mas ligeros, esbeltos y decorados con esculturas y bóvedas de varios paños la cual se ve reforzada por nervios; y el tercer y último periodo se denomina Gótico radiante y se desarrolla durante el siglo XV, aquí se ve el uso de arcos, columnas delgadas, grandes alturas en las naves y en las torres, así como la decoración escultórica muy excesiva.
Arquitectura Lo más importante del estilo gótico es la arquitectura, específicamente la arquitectura religiosa, la cual se dio en la primera mitad del siglo XIII debido a la evolución de algunos precedentes románicos, así como de algunas tecnologías y condiciones sociales. La arquitectura gótica perduró en diversos países de Europa hasta bien entrado el siglo XVI, estando ya bien penetrado el estilo renacentista.
"Bóveda de crucería"	Debido a las grandes innovaciones constructivas, como la aparición de la bóveda de crucería, se dieron diversas cualidades estilísticas con diversos elementos, como lo fueron: el arco apuntado, así como agujas, chapiteles y gabletes, los cuales ayudaron a reforzar la idea de ascensión que transmiten las edificaciones de dicha época. Así mismo las edificaciones poseían muchos vanos con tracerías caladas para tratar de conseguir mucha luminosidad y reducir las estructuras. La bóveda de crucería es un elemento muy importante para el arte gótico y trata de concentrar los esfuerzos en puntos determinados, eliminando así los grandes muros y colocando en su lugar grandes ventanales, la bóveda descansa sobre grandes pilares.
Por otro lado las principales construcciones de este período fueron las catedrales, son los monumentos más altos que se construían. El crucero era más corto que el de la arquitectura románica y en la cabecera la llamada girola odeambulatorio se encontraban capillas poligonales encerradas en un medio círculo. Las naves laterales son muy altas, así como el campanario.	"Crucero"
En el exterior de las catedrales existían arbotantes y pináculos, los cuales ayudaban a contrarrestar el peso de las bóvedas. La fachada principal se divide en tres cuerpos horizontales y tres verticales, en los cuales se encuentran tres puertas que dan cada una a las naves internas; a los laterales se encuentran dos torres las cuales rematan generalmente en agujas o chapiteles. Sobre la puerta central se ubica elrosetón, el cual generalmente esta hecho con un gran vitral.
"La Cattedrale gotica di Chartes - Chartres-de-Bretagne, France"
Escultura La escultura del estilo gótico se inicia a mediados del siglo XII en Francia y sus últimas manifestaciones se dieron a principios del siglo XVI, pero solo fue hasta el siglo XIII cuando alcanza su máximo apogeo. Los escultores abandonaron toda clase de convencionalismos tomados del románico y se caracterizaron en cambio por el naturalismo, la humanización de las divinidades y por poseer exposiciones muy claras y ordenadas.
"Sinagoga de la Catedral de Friburgo"	La escultura siempre se va a ser parte de las obras arquitectónicas, se ve de forma clara en su interior y exterior, representando en las paredes santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y diversas figuras alegóricas al tema religioso. Durante el primer período de la arquitectura, la escultura poseía gran naturalidad, la cual se reflejaba en los rostros que se representaban con una dulce sonrisa y con un cuerpo no tan rígido. A diferencia de esto a principios del segundo período se representa la escultura con figuras rudas y con algo de convencionalismo. Durante este período la escultura se difunde por toda Europa occidental y es aquí cuando se dan las grandes construcciones de las catedrales. Después de esto la escultura comienza a ser más hermosa y majestuosa, los vestidos eran muy sencillos y poseían pliegues que caen con gran sencillez.
También es muy resaltante del gótico las llamadas manifestaciones protogóticas; las cuales son estatuas-columnas: son características las que se encuentran en el pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela en España, allí se observan a algunos apóstoles y profetas con un sentido muy naturalista. A pesar de esto dichas manifestaciones aun conservan un cierto carácter románico.Pintura y Vitrales La pintura logró alcanzar un mediano desarrollo en algunos países a través del mural, pero inmediatamente se sustituyó por el vitral. Debido a que las esculturas en los templos ocupaban casi todas las paredes eran muy escasos los espacios para ser decorados con pinturas y murales, por esta razón es prácticamente imposible que se realice la pintura de carácter monumental.
Fue entonces en los ventanales y en algunos manuscritos pintados donde se desarrollo la pintura gótica de la primera época, pero seguidamente fueron los retablos los que alcanzaron un mayor interés y en los cuales se conservan restos de la pintura de la época. La temática principal de dichos retablos era religiosa, representando figuras y grandes detalles, así como gran colorido. Dentro de la pintura del gótico se encuentra dos estilos, el gótico internacional, el cual corresponde a las dos últimas décadas del siglo XIV hasta la primera mitad del siglo XV; y el estiloflamenco, el cual surgió a principios del siglo XV, paralelamente al renacimiento en Italia y duró hasta finales de este mismo siglo.
El estilo internacional aparece debido a la consecuencia de la fusión de diversos elementos y formas del estilo gótico con las técnicas aportadas por pintores italianos. Dicho estilo se caracterizó por poseer figuras muy estilizadas, en él predomina la curva ya sea en los pliegues de la vestimenta como en las facciones corporales, también se dio la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos. El estilo flamenco, en cambio, aportó a la pintura la técnica del óleo, la cual permite una mayor viveza en los colores, en este estilo se definen los rasgos por ser mas naturales aun y por poseer gran cantidad de detalles.

LA ESCRITURA

Hace 50.000 años, aproximadamente, que aparecieron sobre la faz de la tierra los primeros "homo sapiens", y tan solo 30.000 años después se tiene indicio de la aparición de la primera manifestación que se podría denominar precursora de la escritura: El dibujo.

El hombre prehistórico dio un gran paso en el desarrollo de sus capacidades intelectuales al empezar a representar de manera figurativa su mundo. La imagen que cada individuo hacia de su realidad empezó a tomar formas a través de figuras que eran reconocidas por los otros. La imagen llego a ser independiente de su autor, generando con sigo un medio de comunicación que le permitió transmitir sus pensamientos, a la ves que inmortalizarse.

     Tanto en Europa como en África se han encontrado en cuevas y rocas las pruebas de esas manifestaciones humanas, que han sido catalogadas como obras artísticas, pues, en algunos casos, eran realizadas con esplendorosos colores. Sin embargo, es preciso preguntarse hasta qué punto estos "dibujos" del hombre prehistórico constituyeron una creación artística, o por el contrario, constituyeron un medio a través del cual expresar pensamientos a otros seres, utilizando formas gráficas, con una intención fundamentalmente comunicativa.

El paso del dibujo a la escritura propiamente dicha, se dio 15.000 años después, en el Asía occidental, cuando apareció por vez primera un tipo de escritura que aunque conservaba los vestigios figurativos del dibujo, dio un salto al determinarle un signo gráfico a cada palabra, dando así origen a la escritura ideográfica. Se sabe que la primera cultura que llego a este importante descubrimiento fue la Sumeria, aunque los Egipcios no le llevaban gran distancia.

"Y aparecieron los Sumerios, aportando a la cultura humana el segundo invento genial que consistió en añadirle símbolos a los símbolos verbales. En una palabra inventaron símbolos de los símbolos, o sea, "símbolos al cuadrado". Simbolizaron (hoy se prefería la menos conocida expresión: semiotizaron) los símbolos verbales. Semiotizadas las palabras mediante la escritura, la comunicación se emancipó de su triple camisa de fuerza. A partir de aquel momento la comunicación escrita podía ser indirecta, mediata y transpersonal.

...Con anterioridad a la escritura, la comunicación oral al crear las palabras dichas, no escritas, había superado la subjetividad inherente y característica del pensamiento humano. Ahora los sumerios, y seguramente a la vez los egipcios, lograban una segunda meta evolutiva en el ascenso del hombre, con repercusiones poderosísimas: fijar en tablillas, por toda la eternidad, los pensamientos.

Por esta razón, muy seguramente, los sumerios le dieron carácter de "Regalo de los Dioses" a la invención de la escritura.

Los primeros 1.500 años de la escritura constituyen, como ha mostrado Jack Goody[3]un claro ejemplo de la relación que existe entre los usos sociales de la escritura y el desarrollo de unas habilidades cognitivas determinadas. La enseñanza de la escritura era restringida a un pequeño grupo de personas que la ejercían como una profesión. Además, fue utilizada con fines estrictamente utilitarios, de índole económica,comercial y fiscal. La casi totalidad de los textos conservados son listas de objetos, nombres y cosas (listas onomásticas, listas lexicales, listas escolares, listas de acontecimientos,...). Este uso implicó el desarrollo de actividades cognitivas tales como la comparación, la observación, el análisis de la realidad (ciencia positiva), de las palabras (lingüística) y de los acontecimientos (historia). Desarrolló, también, la conciencia del carácter visual y espacial de la escritura, así como de sus potencialidades para ubicar la realidad percibida en un espacio bidimensional creando, a la vez, otra realidad que, por su permanencia, desplazaba a la anterior. Amplió las posibilidades de dirigir la atención e intencionalidad, las capacidades de la memoria, así como los procesos de representación mental en la medida en que las palabras adquirieron forma gráfica. Las listas lexicales bien pudieron ser, además, una de las causas del origen de las escrituras silábicas a partir de las cuales nacería el alfabeto.

Así pues, es claro que desde el momento en que los seres humanos empezaron a fijar sus pensamientos en tablillas,* utilizando el lenguaje escrito, este ha seguido un largo proceso de desarrollo evolutivo.

En un principio a cada palabra, le correspondía un signo gráfico, lo que hacia de la escritura un proceso dispendioso y poco económico (tal es así, que se constituyo en un oficio: el de escriba, tutelado por las clases privilegiadas de la sociedad). 2.500 años, aproximadamente, tuvieron que pasar para que el ser humano diera el salto a la escritura silábica. Este nuevo descubrimiento, permitió darle un nuevo sentido a los signos. Dejaron de representar cada signo una palabra para ahora representar el sonido fonético que las componían, permitiendo simplificar el numero de signos utilizados, ya que unos mismos símbolos servían para escribir diferentes palabras.

Como ya se indico anteriormente este paso significó un importante salto en el proceso de evolución de la escritura, llevo a los seres humanos a desarrollar a un nivel mucho más alto sus funciones psicológicas, permitiendo nuevos procesos de representación metal y abstracción, que se incrementaron aún más cuando dio un nuevo salto a la escritura consonántica, proceso que se dio aproximadamente unos 2.000 años después.

Este cambio no siguió un desarrollo lineal, de una forma a otra; sino que le precedían periodos en los que se combinaban mutuamente las diferentes formas (razón por la cual el desciframiento de los escritos antiguos se ha constituido en una gran proeza). Vale la pena analizar brevemente el desarrollo de la escritura Egipcia para ejemplificar este proceso:

Estos jeroglíficos, como grafía de las palabras, se encuentran todavía en una etapa de escritura puramente ideográfica. El signo que era ideograma, se convirtió en signo silábico.

Como en el Egipcio no se escribían las vocales y muchas palabras egipcias no tenían más que una consonante, como por ejemplo ke, la altura; ro, la boca; sche, más y ta, el pan, por lo que se escribían con un solo signo fonético, que se fue generalizando cada vez más hasta que esos signos empezaron a representar sonidos consonánticos, dando paso a la constitución del alfabeto, que constaba de 24 letras aproximadamente. Así:

     Se sabe que los griegos siguieron un proceso similar en la invención de su alfabeto, con la diferencia que ellos inventaron las vocales.

La siguiente tabla, representa, a manera de síntesis, la línea de evolución que han seguido los distintos tipos de escritura que se conocen. No se profundizará en cada uno de ellos ya que la intención era ejemplificar brevemente el proceso de evolución de la escritura, partiendo de uno de sus hitos. Pero, cabe decir, que el desarrollo de los diferentes tipos de escritura ha seguido, en la generalidad, procesos similares; aunque en la particularidad, se hallen grandes diferenciaciones. Pero entrar en estos detalles sería motivo de una investigación profunda y no corresponde al motivo del presente trabajo.

Evolución de la escritura

Civilizacion Egipcia

      Se llama civilización egipcia a la cultura desarrollada en el actual país de Egipto entre los años 3050 a.C. (primer año de gobierno de Nemes) y 31 a.C. (año de la conquista romana). La historia del antiguo Egipto suele dividirse en tres etapas en relación con las distintas dinastías faraónicas, separadas por periodos de anarquía: Imperio antiguo (2700 - 2250 a. C.), Imperio medio (2050 - 1800 a. C.) e Imperio nuevo (1550 - 1070 a. C.). Mucho antes de la configuración del imperio, hacia el 8000 a.C., comenzó a secarse paulatinamente el terreno hoy conocido como el desierto de Sahara, motivo por el cual los recolectores de la zona se acercaron a la cuenca del Nilo, tal como indican evidencias arqueológicas de la misma época. Durante ese milenio el avance en la organización agrícola dio origen al asentamiento permanente de distintos pueblos.

      Entre aquellos pueblos que se desarrollaron entre el 5500 y el 3200 a. C se encontraban los tasios, quienes se dedicaban a la caza y la pesca, y las culturas primitivas de El Fayum (gran oasis del Sahara) y Merimde (situada en el delta occidental) quienes, además, se dedicaban al cultivo. Los tasios dieron origen en la margen derecha del Nilo a la cultura Badariense, conocida por la producción de figuras en cobre y el trabajo con cerámica. Esta cultura fue sucedida por la Amratiense o Naqada I que ocupó terrenos hacia el Sur del Nilo. Dos siglos más tarde devino en la cultura Gerzeense o Naqada II la cual se inició en la fundición de metales y el comercio con Asia. Su propagación territorial produjo la unificación cultural de las diversas poblaciones egipcias, pero no la política. Hacia el 3500 a.C. se podían encontrar dos reinos principales en Egipto: el alto Egipto (valle del Nilo) y el bajo Egipto (delta del Nilo). Cada reino contaba con su faraón el cual estaba representado, respectivamente, mediante un buitre y una serpiente.

     Durante este período (3100 - 2700 a. C.) se concretó la unificación de la civilización egipcia. El rey de la ciudad de Nejeb, Narmer, partió hacia Pe (ciudad del bajo Egipto) con vistas de lograr la unificación política entre los reinos. Narmer es considerado el primer faraón de Egipto unificado. Esta consideración está basada en los escritos de Manetón (historiador del siglo III a.C.) y en las ilustraciones de la Paleta de Narmer (placa de pizarra tallada datada en el 3050 a.C.). La fundación de la ciudad de Menfis en el Bajo Egipto fue prueba suficiente del poderío de Narmer quien se consolidó como fundador de la Dinastía I en el 3050 a. C. a partir de la cual se dio inicio al período del Imperio antiguo.   

ARTE:

     El arte egipcio es ante todo religioso: en efecto, los únicos monumentos que han perdurado hasta hoy son templos y tumbas, y las esculturas y las pinturas que encierran son casi siempre un complemento de la arquitectura.

Arquitectura

     Los egipcios fueron maravillosos constructores. Asombra la enormidad de sus construcciones; parecen como si hubieran querido construir para la eternidad.

Los monumentos más antiguos que se conocen son tumbas. Las del primer período (época menfita), son la pirámide, tumba real y la mastaba, sepultura de los señores y de los ricos. Subsisten un centenar de pirámides: las tres más grandes son las de Kéops, Kefrén y Micerinos, que tienen respectivamente 146m, 138m y 44m de altura. La mastaba, de dimensiones menores, era un edificio en forma de tronco de pirámide de planta rectangular. Construido en piedra o ladrillo, contaba en su interior con una capilla funeraria, un recinto tapiado que guardaba todas las "estatuas" del muerto, y un foso lleno de arena que finalizaba en la cueva donde reposaba la momia.

De los templos de la época menfita no quedan más vestigios que restos de capillas funerarias de las pirámides. En cambio, los de la época tebana han dejado ruinas grandiosas en Karnak y en Luxor, en el asiento de la antigua Tebas.

Las construcciones religiosas constituyen casi la totalidad de las obras arquitectónicas que se conservan. No está bien establecida la naturaleza del simbolismo que preside las construcciones funerarias (pirámides, mastabas y tumbas cavadas en la roca), pero en los templos el tema es relativamente claro. Es probable, que los principios fueran similares en ambos casos. Ese cosmos presentaba unas características ideales, purificado y separado del mundo cotidiano, siendo sus relaciones con el mundo terrenal de mera antagonía, no de una representación directa. Lo que se pretendía era que el morador del templo (o de la tumba) participase simbólicamente en el proceso mismo de la creación o en los ciclos cósmicos, muy especialmente los del sol.

Ese símbolo se expresaba en la planta y diseño de templos, así como en la decoración de muros y techos. Donde más fácilmente puede observase todo esto es en los templos del Período Grecorromano, que probablemente diferían muy poco de su significado de sus predecesores del Imperio Nuevo. La estructura está claramente separada del mundo exterior mediante un muro macizo de adobes que la rodea y que puede imitar o recordar el estado acuático del cosmos en el momento de la creación.

Dentro de este recinto está el pilón o muro de entrada principal, decorado en su cara exterior con escenas del faraón que destroza a sus enemigos. Lo cual viene a representar con seguridad magia. El pilón o pilono es el elemento más vasto del templo; visto en sección encierra el área que figura detrás dentro se su altura. Al mismo tiempo, sus dos macizos laterales, con el hueco que dejan en el medio, recuerdan el jeroglífico del "horizonte". La orientación teórica de casi todos los templos era de este-oeste (y como se fundaba en el Nilo y no en los puntos cardinales, las variaciones podían ser considerables), de modo que el sol "nace" a la entrada del pilón, envía sus rayos dentro del santuario, situado directamente en el eje, y sigue su curso a través del templo.

La parte más imponente del templo principal es la sala hipóstila o columnada, que comprendía adecuadamente el esquema decorativo del conjunto. Los capiteles de las columnas muestran plantas acuáticas, y el registro inferior de los muros reproduce, en relieve, unas plantas parecidas. Simbólicamente, la sala es el pantano de la creación. Los arquitrabes y techos tienen relieves representando el cielo, de modo que la decoración abarca el mundo entero. Lo que se reproduce sobre los muros es la actividad de este mundo. En lugar de un pantano, el registro inferior puede contener a los portadores de ofrendas que rinden pleitesía al faraón llevando los productos de la tierra para el sostenimiento del templo. En ningún caso forma parte del esquema principal, que es más abstracto y que consta de varios registros de escenas, dispuestas a modo de tableros de damas, mostrando al faraón que mira hacia el santuario, hace ofrendas y lleva a cabo unos ritos en honor del dios.

El dios, que fija su residencia en los templo, mira hacia afuera; las deidades reproducidas en los relieves constituyen una gama más amplia de la que son adoradas en cada templo. Muchas escenas reproducen los ritos celebrados en el templo, y otras tienen un significado menor específico. En el recinto del templo, el toma y daca entre el faraón y el dios constituye el centro de las actividades del mundo. Y la mayor parte de los relieves del recinto sagrado tienen el mismo carácter.

Las áreas interiores tienen el suelo más elevado y el techo más bajo que la sala hipóstila. Están contenidas pues dentro del área de la protección de la zona exterior y son más sagradas. Hay un cierto número de habitaciones relativamente pequeñas al rededor del santuario, cuyo muro externo imita el exterior del templo, formando una estructura dentro de otra estructura. El santuario representa el montículo de la creación y se relaciona con el pantano de la sala hipóstila; así pues, el recorrido hacia el santuario equivale a un recorrido por las diferentes etapas de la creación.

Escultura

Respecto al arte son notables también la escultura (carente de expresividad) y la pintura (carente de perspectiva).

Se observa en la estatuaria egipcia la misma unidad de estilo y de técnica que en la arquitectura. Aún en las estatuas más antiguas, la cabeza, en general, es cuidada y posee un vivo realismo; en cambio, el cuerpo es rígido, la expresión estática; los brazos están unidos al cuerpo, las rodillas juntas; la musculatura se indica apenas. Sin embargo, ya desde la época menfita, la estatua toma la apariencia de vida, desaparece la rigidez, los miembros se separan del cuerpo, y el escultor varia la actitud de sus personajes. Algunas de estas antiguas estatuas son obras maestras de realismo, como el admirable escriba sentado que se halla en el museo de Louvre.

Las estatuas del imperio tebano tienen más suavidad y son más convencionales. Con el segundo imperio se expande el gusto por lo colosal (los colosos de Ramsés II tienen más de 20 m de altura), pero persiste el estilo de la época precedente, con cierta búsqueda de la elegancia, en tanto que se acusa gradualmente el convencionalismo. El advenimiento de la dinastía saíta señala un renacimiento artístico; pero se nota cada vez más en la escultura el debilitamiento de la sinceridad y del realismo: es un arte de imitación.

 

Destreza de los artesanos

Los artesanos egipcios, que trabajaban bajo la protección real, alcanzaron un altísimo nivel en la fabricación de muebles, de objetos de adorno y de uso diario, y en la decoración. Ciertas técnicas, como la del trabajo en metal, tenían su origen en Mesopotamia, pero fueron perfeccionadas en suelo egipcio. Se dispuso de grandes provisiones de cobre del Sinaí y de Nubia, pero los trabajos en hierro y bronce no conocieron su máximo desarrollo hasta más tarde, puesto que los egipcios no tenían ningún acceso directo a las minas de hierro y estaño.

Los ricos veneros de oro de Nubia y del desierto oriental de Egipto proporcionaron a los faraones medios de intercambio comercial. Las caravanas iban y venían entre las cortes de Egipto y Tebas y las ciudades principales de las potencias del oeste asiático; cada uno de los reyes asiáticos ambicionaba el oro para embellecer sus palacios y aumentar su prestigio, y cedía, a cambio, muebles taraceados, metales y piedras preciosas. Probablemente, la materia decorativa conocida como mayólica egipcia fue también un invento y importado del occidente asiático, aunque fuese fabricada en Egipto desde épocas muy remotas.

El rico color azul, fue, en particular, solicitadísimo. Dicha sustancia consiste en una sustancia de cuarzo pulverizado recubierta de un barniz brillante. Los artesanos egipcios perfeccionaron también la fabricación de cristal opaco, que utilizaron frecuentemente en joyería o decoración de muebles como sustitutivo del lapizlásuli, la turquesa o el jaspe.

Los canteros, con el mero empleo de cinceles de cobre y taladradores, esculpían delicadas vasijas de piedra dura, como la diorita y el pórfido; utilizaban el alabastro por la belleza de su veteado, y el cristal de roca para la fabricación de copas de paredes tan delgadas como la cáscara de huevo. Los carpinteros daban muestra de una asombrosa habilidad en la fabricación de arquetas taraceadas y muebles. Los orfebres y joyeros elaboraban aderezos de complicada factura, y se trabajó el cobre para hacer con el diversidad de herramientas y de armas que, en manos de los orfebres y guerreros, contribuyeron a la grandeza del país.

Pinturas y artes decorativas

     La pintura egipcia presenta los mismos defectos y las misma cualidades que la escultura. En general, solo complementa el efecto del modelo de los bajorrelieves; pero es testimonio de una maravillosa interpretación de la armonía de los colores. Procedimiento con tonalidades uniformes, ignora por completo la perspectiva y el claroscuro; los matices son casi siempre convencionales, como lo es casi siempre el dibujo. De todas formas, el trazo es de notable habilidad, y la pintura egipcia, por las escenas que representa, es una mina inagotable de preciosos documentos.

Los artistas egipcios fueron admirables decoradores. crearon objetos de adorno en todos los ramos del arte decorativo: alfileres para los cabellos, pectorales, pieles, frascos para perfumes, útiles de tocador y joyas de oro incrustadas en piedras y esmaltes, maravillas de gusto y de estilo en las que aún hoy se inspiran los mejores decoradores.

Relieve y pintura

     El relieve logra su efecto mediante el modelado, la luz y las sombras, mientras que la pintura lo consigue con la línea y el color; pero las técnicas de la representación son básicamente las mismas en una y otra, ambos se sirvieron también del color. El relieve puede ser alzado o en hueco. En el relieve alzado se excaba la superficie que rodea a las figuras hasta una profundidad que puede alcanzar los cinco milímetros, de modo que los personajes y figuras destacan sobre el fondo. En el relieve en hueco, hundido o inciso, los perfiles de las figuras se graban en la superficie, que permanece, quedando las figuras modeladas dentro de la misma. El relieve alzado se empleaba, por lo general en los interiores, dejando para los exteriores el relieve en hueco, que destaca más al sol. Hubo, sin embargo, variaciones de estilo en los distintos periodos; el relieve en hueco resultaba también mas barato.

Las principales construcciones religiosas y las mejores tumbas privadas estaban decoradas con relieves. La pintura se empleó en las tumbas privadas, cuando la roca de baja calidad hacía imposible el relieve, o bien para economizar o cuando la obra no era permanente y la superficie que había que cubrirse no era la adecuada para la labor de relieve, como en las casas privadas y en los palacios reales, construidos con adobes. Pero, aunque la pintura ocupase un lugar secundario, existen numerosas y magníficas obras pictóricas, cuyas técnicas estimularon a los artistas a trabajar con mayor libertad en el relieve,

Un tercer tipo de representación, aunque muy poco habitual, es el taraceado. En Maidum, un pequeño grupo de escenas sepulcrales de la IV dinastía está hecho con pasta coloreada introducida en la piedra, mientras que en tiempos postreros fueron los vidrios y las piedras de colores las que se incrustaban de modo similar, principalmente en objetos pequeños, así como para dar los detalles de los relieves más elaborados. Fue un método típico del período de El-Amarna.

En Egipto, la escritura y la representación estuvieron estrechamente ligadas. Los signos jeroglíficos eran a su vez pinturas, cuyos convencionalismos —además de los lingüísticos y ornamentales que rigen su yuxtaposición— no diferían mucho de los que son propios de su representación.

A la inversa, la mayor parte de las pinturas contienen textos jeroglíficos que pueden comentar la escena, proporcionando información no pictórica, o pueden prevalecer por completo sobre el componente visual, tal como ocurre en algunos relieves de templos. En los relieves sepulcrales, la figura principal es un jeroglífico grandemente magnificado que reemplaza a un signo omitido en epitafio que da el nombre de la persona. Figura y texto aparecen así en mutua dependencia.

Dibujantes

     Los artistas egipcios eran escribas profesionales que se especializaban en dibujo para los monumentos regios o funerarios. En ciertas tumbas sin acabar, como la del faraón Horemheb, es posible distinguir las diversas etapas de la pintura. Primero, los aprendices esbozaban las escenas con almagre en el yeso seco. Luego, los artistas más avezados hacían rectificaciones con trazo negro. Y por último, los pintores rellenaban las siluetas con colores, o bien los escultores tallaban en el fondo de yeso para dar relieve a la pintura.

Herramientas

     Se conocen bastante bien los utensilios empleados en las pirámides. Eran muy arcaicos, pues no se fabricaban más que de piedra y de cobre. En diorita se confeccionaban macetas y martillos; en sílex, mazos, barrenas y hachas. De cobre, único metal entonces conocido con el oro, los antiguos egipcios lograron fabricar excelentes herramientas, las principales de las cuales era el cincel, clásico instrumento plano de punta cortante; la azuela y la sierra, a menudo utilizada con un abrasivo de granos de cuarzo mojados. Para la extracción introducían en los cortes efectuados con la herramienta estacas de madera que, hinchadas al mojarse, hacían reventar la piedra y desgajaban el bloque. Resulta admirable la habilidad que dan pruebas los canteros y picapedreros egipcios con un instrumental tan rudimentario.

Métodos de representación

     En contraste con el arte occidental y con los recursos ópticos de la fotografía y de la cinematografía, la representación egipcia no se apoya en ninguno de los dos principios fundamentales de la perspectiva, como son el empleo del escorzo y la adopción de un punto de vista único para el conjunto de la pintura. En lugar de eso, las figuras son más bien diagramas de lo que muestran, siendo su objetivo principal el de proporcionar información. La superficie del cuadro se trata de ordinario, como un elemento neutro, no como un plano imaginario. Los rasgos espaciales son más comunes en los pequeños grupos de figuras. Esas características se dan en todo el mundo; la perspectiva, en efecto, sólo llegó a covertirse en norma de la representación muy lentamente, y su adopción parece haberse debido casi en todas partes a una influencia griega.

Entre los sistemas representativos no perspectivistas, el egipcio es uno de los más cercanos a la imagen visual. Permite una reproducción objetiva y matemáticamente precisa en la figura humana. La forma típica en que los egipcios pintaban un objeto consistía en recurrir a un agrupamiento de sus aspectos más característicos, dentro de un contorno que, a su vez, comunicaba gran parte de la información necesaria. Los varios aspectos se muestran sin ningún escorzo, lo que significa que las formas rectilíneas se reproducen de una manera precisa.

Tratándose de objetos con superficies curvas, el método resulta más paradójico y en muy contadas ocasiones se encuentran escozor, aunque no sean significativos para el sistema en su conjunto no hay que olvidar que en una verdadera perspectiva tales objetos plantean también mayores dificultades.

La representación de los objetos aislados queda ejemplificada mejor en el caso de la figura humana, que es una forma complicada. En este caso describimos una figura en pie y en reposo, aunque sean varias las posibilidades en las posturas y en los detalles. El tipo básico mira hacia la derecha. La cabeza es de perfil, en el que se sitúa una media boca, que puede tener una amplitud inferior a la mitad de una boca vista en su totalidad. Dentro de ese perfil se colocan el ojo y la ceja completos. Los hombros se muestran en toda su anchura, pero en la parte frontal del cuerpo, la línea de la axila a la cintura es un perfil que incluye la tetilla. La extensión del pecho puede mostrar detalles del vestido, y más comúnmente collares y tirantes u hombreras; pero, exceptuando ciertas figuras ocasionales que se vuelven o que aparecen en otras posturas inusuales, no se reproduce ninguna parte específica del cuerpo. La línea que une la axila trasera a la cintura no pasa de ser, asimismo, una línea de conexión. La cintura se muestra de perfil, como lo están las piernas y los pies.

El ombligo está situado cerca de la línea frontal de la cintura, que a menudo se abomba ligeramente en ese punto (de otro modo no podría mostrarse en el perfil). La manera de reproducir los pies es un ejemplo más de como la forma es antes un agrupamiento de cosas que una visión de conjunto. Hasta la XVIIII dinastía, e incluso posteriormente, ambos pies se reproducían por la cara interna, indicando el dedo gordo y el arco plantar. Como los arcos no pueden mostrarse de otra manera sin indicar a la vez la profundidad, el pie entero se separa del suelo para formarlos. Ese rasgo cobra vida por sí mismo y puede verse el otro pie a través del hueco del arco, y así se interpretaba visualmente lo convencional del dibujo. Ésta es una de las incontables modalidades que el propio sistema generaba.

En el lenguaje egipcio, color, piel y naturaleza son palabras que se relacionan. Una figura sin color no estaría completa, y por ello la ausencia intencionada de color resulta extraña. El color es tan diagramático como las figuras a las que se aplica. Dado que no se intenta dar una visión de conjunto del objeto, la luz y la sombra son irrelevantes. El color es uniforme en toda la figura; puede ser de un solo tono o contener una mezcla o trama, como las que se usaban para reproducir la fibra de la madera o la piel de algunos animales. El repertorio básico de colores es reducido: negro, blanco, rojo, amarillo, azul y verde. A partir de la XVIII dinastía la gama se va ampliando, aunque todavía se mantiene simple y clara. Los colores no se mezcla y son pocas las transiciones de uno a otro. Pese a la omnipresencia del color, lo que predomina es la línea, y nunca se convierte aquel en el único medio para proporcionar información. Los contornos se destacan mediante colores contrastantes, principalmente el negro.

Dos son las modalidades fundamentales para la composición de escenas fundamentales y de murales enteros: la de disponer los elementos sobre una superficie neutra o de utilizar la superficie como un área pintada plana, tal como lo hacemos en los mapas. La primera de estas modalidades es casi universal, en tanto que la segunda sólo se utilizó con unos objetivos específicos y durante periodos determinados.

La base de la composición, según la primera modalidad, es el registro. Las figuras están de pie sobre unas líneas horizontales llamadas líneas de base, que pueden representar el suelo, aunque con más frecuencia aún lo hacen y están espaciadas sobre la pared. Las escenas relacionadas entre sí pueden estar yuxtapuestas en un solo registro, pueden leerse en secuencias hacia arriba o hacia abajo sobre la pared, o pueden seguir ambos sistemas. Dos versiones diferentes del mismo conjunto de escenas pueden organizarse en forma opuesta; lo que demuestra que la posición de la pared no aporta información por sí misma.

Ejemplos de otra modalidad que podríamos denominar "topográfica", son los planos de casas y zonas del desierto. En ambos casos el contorno que define al mapa puede servir también como línea base para las figuras pintadas en los registros. En algunas ocasiones un grupo de figuras dentro de una composición "topográfica" se representan un conjunto de fajas verticales que coinciden sorprendentemente con imágenes de recesión en el campo óptico.

Una característica de capital importancia en toda representación egipcia es el tratamiento de la escala, que constituye, junto con la iconografía, el principal recurso de expresión ideológica. Dentro de una figura, las partes aparecen en proporción natural, y eso ocurre a menudo en escenas enteras; pero el conjunto de las composiciones se organiza a escala en torno a sus figuras principales. Cuanto mayor es la figura, más importancia tiene. En las tumbas privadas, la figura del titular ocupa a menudo toda la altura del área del muro destinada al relieve, hasta con seis registros, cuyas escenas está "viendo" el propietario, vuelto hacia ellas.

Puede tener una estatua varias veces superior a la de su mujer y de sus hijos, cuyos brazos rodean sus pantorrillas. El faraón domina y destaca sobre sus súbditos. En los relieves de batallas del Imperio Nuevo, una imagen enorme del rey y de su carro ocupa a veces la mitad del espacio dedicado a la representación, mientras que el resto lo cubren soldados egipcios, los enemigos derrotados y una fortaleza enemiga levantada sobre una colina y repleta de personajes minúsculos hacia los que el rey tiende la mano para prenderlos. La lógica visual interna y el mensaje ideológico gana así verosimilitud. Los principales relieves con pocas variaciones de escala se encuentran en os templos, en los que solo aparece normalmente el faraón y las divinidades, todos ellos de una categoría equiparable. La escala puede también ajustarse por razones de estilo. Así los portadores de ofrendas de todas las épocas conducen a menudo minúsculos animales, cuyas piernas se superponen en una composición que economiza espacio y que da origen a una bella agrupación. En el extremo opuesto, los oferentes del siglo IV a veces llevan sobre sus hombros unas ocas descomunales; la razón parece residir en una exuberancia estilística.

En la mayor parte de las obras hay una idealización omnipresente: las cosas se muestran como debería ser, no como son en realidad. La idealización no obstante, es tan selectiva como el tratamiento de la escala. Las figuras principales presentan una forma ideal, las más de las veces en una madurez juvenil, mientras que las mujeres son todas jóvenes y esbeltas.. Por lo general, están en reposo. Por otra parte, las figuras subordinadas se representan a veces arrugadas, calvas y deformes, al tiempo que discuten o luchan. Los detalles de ese tipo son muy frecuentes en las tumbas más refinadas del Imperio Antiguo, en las que han podido añadirse para dar un mayor relieve y personalidad a las escenas. Están ausentes, por el contrario, de las representaciones de los templos, que reflejan un mundo abstracto y fuera de tiempo.

Técnicas en la pintura, el relieve y la escultura

     En la obra artística de 2 o tres dimensiones la base era el dibujo preparatorio. Se utilizaba pautas cuadriculadas o conjuntos de líneas de guía para asegurarse una representación cuidada y precisa. Hasta la XXVI dinastía, las pautas del cuerpo humano se fundamentaban en el tamaño del punto de la figura, que se dibujaba en el ángulo, y que se relacionaba proporcionalmente con todas las otras partes del cuerpo. En teoría, la pauta tenía que rehacerse para cada figura de diferente tamaño; pero en la practica las figuras menos importantes se dibujaban a menudo a mano alzada. Los dibujos preliminares se inscribían dentro de estas pautas, y se convertían en un producto acabado mediante un largo proceso de corrección y elaboración. Evidentemente, los artistas trabajaban en grupos y probablemente se especializaban en sus respectivos cometidos.

Las pinturas se llevaban a cabo mediante ese proceso, un fondo de piedra o de argamasa preparado y enlucido con una capa fina de yeso. Los relieves se tallaban primero y después se pintaban. Ello comportaba la realización de un boceto y el tallado previo y luego de los dibujos que servían de base a la pintura.

Las obras de esculturas partían de bloques cuadrados, cuyos lados principales servían de superficies para las pautas y dibujos. Después la piedra iba siendo tallada sobre la guía del dibujo, y a medida que la obra progresaba se iban renovando una y otra vez los dibujos. Existen obra inconclusas que aún contienen la línea marcada del eje vertical por el centro de la cara. Como en el relieve, los estadios finales comprendían el pulido de la superficie, para eliminar las marcas de las herramientas, y la aplicación posterior de una capa de pintura.

Las dificultades técnicas de la escultura variaban notablemente según los materiales empleados, aunque los egipcios llegaron a dominar con las herramientas sencillas hasta los materiales más duros de que disponían. Está labor, que no escatimaba esfuerzos, fue el factor principal de éxito.

A principios del período dinástico ya se dominaban todas las técnicas fundamentales, de modo que el desarrolla artístico consistió principalmente en la elaboración de las formas representativas, y en la iconografía y la composición. Las herramientas básicas eran sierras de cobre (más tarde de bronce), barrenas y cinceles que se empleaban junto con arena húmeda, sustancia abrasiva a la que se debía la mayor parte de la incisión; se utilizaba también martillos de piedra muy dura. Éstos podían tener distintas formas; un ejemplar hallado en la Gran Pirámide tiene aproximadamente la forma y el tamaño de una pelota de tenis. En la escultura en madera, las herramientas y las técnicas usadas eran las mismas de la carpintería. Los instrumentos de hierro aparecieron hacia el año 650 a.C.

En las grandes obras escultóricas, los problemas técnicos se convertían en problemas de ingeniería. Las primeras fases de la labra de una escultura colosal tenía que más ver la obra de un cantero que con la de un artista. Tales estatuas probablemente eran transportadas en una fase próxima a la terminación, para aligerar su peso en la medida de lo posible, y se remataban finalmente en su destino definitivo. Su transporte implicaba la construcción de caminos y de barcos especiales, así como grandes trabajos de movimiento de tierras para situarlas en su emplazamiento definitivo.

La labra egipcia de la piedra produjo estructuras excavadas en la roca con técnicas afines a las de los canteros, montículos sólidos –las pirámides– y estructuras más convencionales y exentas. Es el trabajo de estas últimas el que vamos a describir ahora.

Sabemos muy poco de cómo se hacían los proyectos y planimetría de los emplazamientos; la mayor parte de las reconstrucciones que se han hecho de tales procesos son especulativas. Como quiera que se llevasen a cabo, lo cierto es que revelan una enorme experiencia para mantener un plano y un alzado precisos en el caso de una gran pirámide, o para construir los muros inclinados de un pilón.

Los cimientos de las construcciones egipcias eran a menudo sorprendentemente someros, consistiendo en una zanja rellenada de arena, y con unas hileras de tosca sillería en la parte superior (es probable que la arena tuviese a la vez valores simbólicos y funcionales). Sólo en el período grecorromano se emplearon cimientos sólidos de mampostería propiamente dicha, muchos de ellos con los materiales de derribo de construcciones anteriores demolidas para levantar otras nuevas.

En la mampostería, el mortero se usaba muy poco. La técnica consistía en colocar una hilada de bloques, nivelarlos en la parte superior y cubrir la superficie con una ligera mano de mortero, cuyo objetivo primordial era el de actuar como lubricante sobre el que se deslizaba y asentaba la hilada siguiente. Las caras inferiores y probablemente las juntas salientes de los bloques se labraban antes de su colocación. Cada bloque se empotraba directamente en el inmediato, pues las juntas saliente no siempre eran verticales ni formaban ángulo recto con la superficie. Incluso un solo bloque formaba a veces un ángulo interior, y los niveles de las hiladas horizontales quizá se mantenía solo en una distancia corta. En las juntas horizontales, por detrás de la superficie, a veces se colocaban abrazaderas de madera para proporcionar una mayor solidez o para prevenir deslizamientos mientras se colocaba el mortero. El propósito principal de toda la compleja técnica de las juntas era probablemente reducir al mínimo los materiales de desecho y aprovechar al máximo el volumen del bloque. Los ángulos de los bloques se cortaban a medida cuando se montaban, pero la superficie principal se dejaba sin labrar.

Es probable que los egipcios trabajasen sin instrumentos mecánicos de elevación; el método básico para elevar pesos consistía en enterrar el muro que se estaba construyendo en un montón de escombros. Esa rampa se iba continuando hasta que los muros alanzaban toda su altura. Las piedras se desbastaban, o bien desde las rampas a medida que se iban desmantelando éstas, o desde andamiajes de madera, que probablemente se utilizaban en una fase posterior para labrar la decoración en relieve. Las varias fases del trabajo de construcción frecuentemente avanzaban a la vez, de modo que podían trabajar simultáneamente los canteros, los proyectistas, los enlucidores, los tallistas de los relieves y los pintores. Como la mayoría de los templos egipcios no llegó a terminarse nunca, el estado en que quedaron los edificios inacabados quizá se consideró normal.

Tejidos y adornos

     Desde los más lejanos tiempos, con el lino se hicieron telas para vestir a todos los habitantes del antiguo Egipto. El dibujo más antiguo de un telar egipcio aparece en un cuenco de cerámica de unos 3.000 a. C., y el lino se usaba varios milenios después, y se sigue usando. Por descontado un faraón llevaba telas de las más finas; los obreros llevaban taparrabos de tejido más ordinario. Tenían motivos sobrados para no vestirse de lino. Los soldados se cubrían la parte posterior de su faldellín con una red de cuero; los sirvientes llevaban sobre sus vestidos redes de abalorios baratos, pero de vivos colores.

El atuendo básico de un cortesano consistía en un faldellín de tela de lino ceñido a la cintura y sujeto por un nudo que, a veces, era muy complicado. Luego, se fueron empleando mantos para llevar por encima. Las mujeres iban enfundadas en vestidos muy largos y a veces llevaban mantos bellamente plisados. Sólo tenemos vagas ideas de cómo plisaban los egipcios sus vestidos: quizá mediante una tabla con la superficie ranurada. Probablemente sea exagerado el número de pliegues en muchas estatuas. Los egipcios aprendieron del Oriente Medio el arte de teñir las telas con dibujos de diversos colores, pero la técnica no se transmitió.